艾米莉·韦纳

(资料图片仅供参考)

Emily Weiner

1981年出生于布鲁克林，在纳什维尔生活和工作。艾米莉·韦纳的画作经常被放在定制的画框中，具有丰富的象征意义和历史典故。正如韦纳在她的艺术家声明中所描述的，“我的作品充斥着图标、几何图形和各式材料主题，在时间的推移中得以重生、重塑、重新编码。” 在再借鉴过去的同时，韦纳也创造出属于她自己的当代语汇，对各类美学路径进行了积极的探索。

Palindrome, 2022

Emily Weiner"s exhibition, Phases, in shedspace

Emily Weiner专访

Q：介绍下你自己

A：我叫艾米莉·韦纳。我是一名画家。我在布鲁克林生活和工作。我想就是这样，这通常是我的介绍。有时人们喜欢添加额外的东西，比如她是一名策展人，一位作家，但我一直在慢慢地将这些东西编辑为额外的描述词，因为艺术家已经是一个涵盖性的词语了。

Mimetic, 2022

Q：你做什么样的创作？

A：我主要创作绘画。以及创作画的外框，这仍然是作品本身的一部分。最近我一直在考虑为绘画制作背景和壁纸。但这就是我所想的——绘画的内部是什么，绘画之外又是什么。

Ghost, 2022

Q：为什么选择绘画？

A：我不知道。我只是喜欢画画；这可能是真正的答案。它是如此的柔韧和美丽。对我来说，这太容易了。比如如果你的母语是英语，你为什么要用法语写诗？也许是因为法语听起来更好，但如果我说的话，它听起来不会更好。绘画是我的媒介，这是我真正学会诉说的方式。

但绘画是如此深沉。赫尔佐格拍摄了一部关于肖维岩洞壁画的电影，真是不可思议。壁画只是一些色素；直接附着表面上的泥土和介质。真的，我们在做同样的事情，尽管我并不是说我像那些画家一样有才华或与我的创作联系在一起。

Saturnalia, 2022

我认为“绘画已死”的心态是一种非常男权的、单一传统的东西，我根本不赞成。我正在教一门艺术史课，叫做《1960年以来的当代绘画》（Contemporary Painting Since 1960）。起初，这很难，因为有太多关于这部小的、目的论的、终结的绘画史的学术研究——根据克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）的说法，这一切都在这个框架内。我才不在乎那些文章是不是说有15位20世纪的男性画家扼杀了绘画，尤其是现在，女性艺术家和有色人种才刚刚在21世纪的纽约大博物馆举办个展。但现在有更多关于另类、酷儿和女权主义历史的文献讲述了不同的故事。显然，有些人仍然认同这样的观点，即绘画不再能表达任何新的东西。但我认为这是一种片面的观点，认为一种媒介——甚至一种思维方式——比另一种媒介更有效。但那是另外一个话题了……

Pierrot, 2022

Q：描述一下你的创作空间。

A：是我以前的卧室，很小。它有一扇窗户，光线充足。我认为对我来说最重要的是要有白色的墙壁来营造一个纯净的空间。以及一个安静的创作场所。

Signs, 2022

Q：你在什么样的条件下创作最好？

A：早上或凌晨。晚上9点以后，我真的很糟糕，我什么都做不了。我可以绷画布或做一些不那么令人兴奋的事情。为了深入一幅画，我需要在一天的早些时候开始，所以我会在早上喝完咖啡后来这里，连续创作四五个小时。

Orion, 2022

Q：你实践中遵从某种规则吗？

A：我通常离开家去喝咖啡，然后回来打扫工作室。即使只是组织。工作室不可避免地会从这种干净状态变成一片混乱，因为当我创作的时候，我会移动所有的东西，在壁橱里寻找工具，挖出一些东西，混合颜料，在墙上擦拭颜料。到处都是碎画布，我的宠物狗拖走了所有的砂纸。真是一团糟。打扫卫生和喝咖啡。你洗心革面，然后投身其中。

Mundus Inversus at Red Arrow Gallery, Nashville, TN, 2022

Installation. Pictured at front: Sara Mejia Kriendler, Heart of Earth (Corazón de Tierra), 2021; Back: paintings by Emily Weiner

Q：描述下你的创作过程。

A：让你们看看笔记本是什么样子就好了;通常都是一些小点子。通常情况下，这些想法不会一下子出现，我可能会以这些想法中的一个开始绘画，然后加入另一个。总有一些不合理的原因，在我的脑海中，为什么这些元素存在于一幅画中，但在其他人看来，它可能完全是随机的，就像我随机地搜索图像，并以任何特定的顺序将它们组合在一起。

egrand, 2022

从那里开始，第一步通常只是写下颜色、渐变或图案。通常是一种颜色。当开始一幅画时，你是在为上面发生的事情设置舞台和背景。第一步是制定计划。这就像你启动了某件事，所以你必须用另一个行动来解决它。通常会有第三个动作来解决这个问题。

Paradox, 2022

Q：你的作品是否反映了绘画作为媒介的技术层面？

A：我想是的，因为我看了很多其他画家的作品。我的一些画看起来像是由不同的画家创作的；技术上的东西是非常不同的。在一幅画中，我可能会使用很多不同的主题或技巧，但我不会再过多地试图指向某种绘画风格。如果我有一个想法，我会拿起画笔，用我认为应该表达的方式来表达。画作的某些部分确实很有层次。有时我会用非常湿的笔触来画出一幅有趣的画。有时我会用一把非常干的刷子在上面刷下来。

Constantine, 2022

在我的一幅画上，有一些小标记，下面有错视画的阴影，这是对其他画家的一种致敬。我在想利希滕斯坦是如何在20世纪60年代用最先进的技术来表现笔触的。就像他想用抽象表现主义的笔触把它变成栅格化的点。我想，我能做到!我只是在Photoshop里画了一些涂鸦。所以我在思考绘画史上的所有这些想法。它们嵌入在我的作品中，但它可能以一种完全不合理的方式表现出来。

Sappho, 2022

Q：画框在你的创作中扮演什么角色？

A：这有点不寻常。我认为这与绘画这种平面的、二维的、传统的事物有关，而且在1960年以前，博物馆总是用画框展示绘画。我在想，如果一幅画不是画的一部分，为什么要给它加上画框呢?这是什么，设计元素吗?我开始观察以前画家的浮框形式，并开始制作自己的外框。然后我开始在画框上涂上颜料。我会用木头做，然后像给画布刷石膏一样给它们刷石膏。然后当我在作画时，或者当我完成绘画时，我会把它继续画在画框上。

Compass, 2022

最近我一直在做陶瓷外框，这是我与一位雕塑家合作的结果。我开始思考雕塑如何与建筑有如此多的关系，而不是创造表面或错觉；你实际上在空间中创造了一些东西。我真的很喜欢手工雕塑可能达到的不同质量，但我觉得跳到雕塑中是超出了我的舒适区，而且会被强迫。我想我可以继续以雕塑的方式研究画框，所以我开始用陶瓷来感受用手建造的建筑可能是什么样子。大多数画面都比我想象的要精确。有些看起来很好，很直，然后有一个稍微弯曲，我有点喜欢。所以这就是画框现在所处的位置，它们是绘画的补充或延伸。

Emily Weiner工作室

Q：你的绘画是如何与文化和历史图像相结合的?

A：我对阿比·瓦尔堡（Aby Warburg）很感兴趣。他称得上是一位艺术史学家不喜欢的艺术史学家。他有一个非常了不起的实践。他有一个图书馆，他做了一个类似地图集的东西，他把照片放在一起，比如朱迪思斩首霍罗孚涅斯的旁边是一个挥舞高尔夫球杆的人。他所展示的各种图像之间会有一种同步性。除了阿比·瓦尔堡说，“伙计们，看。这两幅图里发生的事情是一样的!”我真的很喜欢。有时我会看着他们，觉得他们彼此毫无关系，但有时他们真的很棒。这就像卡尔·荣格（Carl Jung）和《红书》（The Red Book），某种集体无意识，以及与意象的联系，在文化和世代中循环。也许在我们的DNA中，有一些东西在图像中石化了，我们会对它做出反应或联系，就像一个频率一样。像圆形这样简单的事物也可以是一个承载的形状。

Suit, 2020

Guitar, 2021

我在之前的展览中所做的创作更多的是关于符号学和图像学的想法。我的一幅画《Mona》有一个像泥瓦匠金字塔一样的三角形，这也像蒙娜丽莎的神圣几何。三角形就像一个权力结构，它有三位一体。然后我画了一系列的月亮，包括一幅叫《Phoebe》的画。美国宇航局以土卫六女神的名字命名了太阳系中行星的大部分卫星，比如菲比。我真的很喜欢这样的想法，即在我们当代社会的信仰体系中仍然存在这些古老宗教的痕迹。因此，我们仍然在看天堂，谈论古希腊神话。另一幅画《Sappho》是阿卜耶·沃尔堡（Aby Warburg）的致敬作品，其中有某种视觉双关语——有些东西很灵动。文字来自我看到的诗人萨福的雕塑。它实际上是希腊原版的罗马复制品。所以我挪用了那个字母，它与刚果纺织品背后的彩绘图案相匹配。我还用金箔框架画了这幅《Venus》的作品。我收集了很多杂志；我有几本六十年代末的《花花公子》杂志。其中一张照片的中心是一位相貌平平的女性。起初，我想知道他们为什么选择这张照片，但最终很清楚，这张照片之所以强大，只是因为她站在波提切利的维纳斯身上。她的姿势如此有力，以至于她成为1969年11月刊的中心人物。我撕下了这张照片，它在我的黑板上出现了一段时间。我决定画这张照片，因为这是最经典的姿势。

Nightbloomers, 2017

作为一个非常清楚图像和象征主义在社会中的力量的艺术家，我想我甚至没有意识到我受到图像历史的影响有多大。你怎么能控制所有这些在你意识中过滤的东西呢?至少在我的工作室里，我试着召唤他们的鬼魂，让他们以某种方式表现出来，或者在直觉层面上对我说一些更有意义的话，而不是在话题和商业层面上。

创作中的Emily Weiner

Q：过程中最具挑战性的部分是什么？哪些部分是最容易的？

A：最难的部分是找到一幅画的内容。有一块你一直在寻找的金块，一个你一直在围绕的核心。你可以用很多不同的方式来表达，但只有你知道什么时候是正确的。在绘画中，我必须找到意象、色彩和形式的完美组合，这样它才能恰到好处地围绕着我一直试图接近的中心点展开。正因为如此，有很多失败的意象，也有很多被抹掉的东西。一幅画从看起来像一个真正渲染得很好的罗马半身像变成了毕加索式的人物，变成了小丑式的图案;这是一种掩盖每一步的地形;不停地旋转，直到有什么东西出现在合适的位置。这是一种真正的挣扎，感觉就像你在与什么东西搏斗。但最简单的是技术部分。一旦我知道该怎么做，事情就简单了。我知道怎么去画，有时我只是不知道该画什么。

Paredolia, 2017

nheidur Gestsdottir, Column (Who Created the Timeline?), 2017

Q：你是怎么学会这些知识的?你有没有老师或导师帮助你成为一名艺术家?

A：是的。我现在意识到，最糟糕的批评是对我最好的批评。我的老师是玛丽莲·敏特（Marilyn Minter），她第一次来我的工作室时，给了我很好的批评。她第二次来的时候，感觉就像她从来没来过一样，她告诉我，我需要学习如何画画。我在想，什么?你是什么意思?我现在就在画画!现在我意识到她说的是你不能刚开始画画的时候就像拿起吉他一样立刻就弹；你必须练习，你必须知道媒介是如何运作的，并习惯它。她说得对，但当时我不知道她在说什么。我看过她关于这个观点的演讲；她展示了自己研究生时期的早期作品，称其为糟糕的绘画。她认为，无论某人现在向你展示什么，都是他们当时能做的最好的。但在变好之前都是坏的。学校里面的其他同学也是我最好的老师；我会走进他们的工作室，问他们是怎么做的。一位名叫Miyeon Lee的艺术家在很长一段时间里都是我放学后的室友。她曾在一个名叫加里·西蒙斯（Gary Simmons）的艺术家的工作室担任助理，他曾在Metro Pictures画廊展出。是她教会了我这些技术知识比如如何把画布拉伸成这样。其实就是谈论创作，问别人，你能给我看看那个吗?你能到我的工作室来吗?我能看看你用的是什么吗?等等。

Gallery view: "Fortune Tellers" at Kunsthall Grenland, Norway. November 12, 2022–January 15, 2023

Gallery view: "Fortune Tellers" at Kunsthall Grenland, Norway. November 12, 2022–January 15, 2023

Q：随着时间的推移，你的实践是如何演变的？

A：我肯定觉得我在技术方面起步晚了，因为在巴纳德大学的本科生阶段，没有人教你如何画画，所以你必须自己解决。来到巴纳德，谈论艺术是如此鼓舞人心，但这并不一定是你在艺术学校听到的。那些艺术学校的学生知道如何绘画，他们最终厌倦了绘画技巧。这几乎就像我在绘画的头十年里非常兴奋的东西，在艺术学校，他们一年级就学会了。无论是好是坏，我只是认为技术方面是我追求的一部分。我必须弄清楚。现在，技术方面的东西似乎一点也不令人畏惧；这是容易的部分。有时我试着不去画漂亮的画，因为我不想画得太油滑。我不希望有些东西太过渲染或太过漂亮。

Emily Weiner工作室

Q：绘画教会了你什么？

A：我认为不知道答案是一件非常好的事情。这总是让我非常焦虑——不知道接下来会发生什么。但所有这些问题实际上都是你生活中的常态，而这些正是让它在工作室中真正有趣的东西。你感到兴奋的是这样的问题：这会是什么？今天这幅画会怎么样？所以也许绘画在某种程度上教会了我耐心。有些画是一次性的，但大多数情况下，当你回顾一年的历程时，你会发现一些好的。我想，如果你真的遵循这条线，它会回来的。会成功的

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